Die elfte Stunde von Salman Rushdie

Die elfte Stunde von Salman Rushdie

Seiten: 288

Verlag: Penguin

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3328604685

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Ein stilles Feuerwerk der Endlichkeit

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

Indien, England, Amerika – die großen Stationen in Salman Rushdies Leben bilden auch die Schauplätze seines Erzählungsquintetts, in dem er sich mit der elften Stunde des Lebens auseinandersetzt, der Zeit, in der das Leben und der Tod immer näher aneinanderrücken. Zwei streitlustige und doch unzertrennliche alte Männer, eine Musikerin, die ihre Gabe nutzt, um eine Familie zu zerstören, der Geist eines Dozenten, der sich an seinem Peiniger rächen möchte – Rushdies Erzählungen leben von ihren unvergesslichen Charakteren und gehen mit viel Weisheit den großen Fragen des Lebens nach.

Einmal mehr beweist Salman Rushdie, dass er einer der großen Schriftsteller unserer Zeit ist, indem er mit Weitsicht und Klarheit auf unsere Welt blickt, auf ihr Heute und Gestern, auf das Hier und das Dort.

Review:

Salman Rushdies „Die elfte Stunde“ ist eine Sammlung, die sich liest, als hätte ein alter Magier beschlossen, seine letzten Kunststücke nicht als triumphale Zaubershow vorzuführen, sondern als kleine, glimmende Funken – jeder von ihnen warm, scharf und mit der leisen Ahnung eines Abschieds. Wer Rushdie nur als Skandalautor oder als polternden Ironiker kennt, wird überrascht sein: Diese fünf Geschichten zeigen einen Schriftsteller, der seine eigene Sterblichkeit mit jener Unerschrockenheit betrachtet, die man gemeinhin Heiligen zuschreibt, nur dass Rushdie die Heiligen stets mit einem Augenzwinkern vom Sockel schubst.

Was diese Texte verbindet, ist nicht ihre Handlung, nicht einmal ihr Schauplatz, sondern ihr Blick. Ein Blick, der registriert, wie Menschen sich verrennen in Freundschaft und Familiensaga, in mathematische Logik und musikalische Ekstase, in Denksysteme und Dogmen, in große Ideale und kleine Selbsttäuschungen. Rushdie erzählt von alten Männern, die den Tod wie einen unzuverlässigen Handwerker erwarten; von musikalischen Wunderkindern, deren Talent zur Religion erhoben wird; von Geistern, die hartnäckiger leben als die, die sie heimsuchen; von Sprachen, die plötzlich anfangen, gegen ihre Benutzer zu rebellieren. Vieles wirkt wie Fabeln aus einer anderen Epoche, und doch blinzelt durch jede Szene jenes beklemmende Wissen, dass die Gegenwart längst grotesker ist als jede Magie.

Rushdie interessiert weniger, was seinen Figuren widerfährt, als wie sie versuchen, der Unabwendbarkeit des Verschwindens einen Funken Bedeutung abzutrotzen. Dabei vertraut er unbeirrt auf die Musikalität seiner Prosa. Seine Sätze bewegen sich wie ein Orchester, das selbst im leisesten Tremolo noch Stolz zeigt. Manchmal überzieht er die Partitur ein wenig, manchmal lässt er die Ironie zu deutlich klimpern, doch jedes Mal, wenn man meint, nun wäre es genug, schenkt er eine Formulierung, die so hell aufblitzt, dass man dafür auch die Umwege gern mitgeht. Gerade in den späten Stücken spürt man die Müdigkeit eines Erzählers, der weiß, dass das Leben sich nicht immer in perfekte Dramaturgie fügen will. Doch diese Müdigkeit ist keine Schwäche, sondern eine Art abgeklärter Zärtlichkeit.

Vor allem aber gelingt Rushdie etwas, das heute selten ist: Er zeigt, wie zerbrechlich Sprache wird, sobald Macht versucht, sie zu verdrehen, zu knebeln oder zu entleeren. Seine Geschichten erinnern daran, dass jedes Wort eine politische Entscheidung ist und dass Schweigen kein neutraler Zustand, sondern ein Risiko darstellt. In diesem Sinne ist „Die elfte Stunde“ weniger eine Sammlung von Erzählungen als ein stiller, hartnäckiger Appell: Solange Menschen sprechen, widersprechen, fabulieren und erinnern, ist die Welt noch nicht vollständig verloren.

Am Ende legt man dieses Buch mit jenem Zwiespalt aus der Hand, den große Literatur provoziert. Man fühlt sich getröstet und zugleich melancholisch, belustigt und erschüttert, ein wenig beschwingt und ein wenig beschwert. Es ist, als hätte Rushdie einem sanft auf die Schulter getippt und gesagt: Wir haben nicht mehr viel Zeit, aber wir sollten wenigstens gut erzählen, solange die Uhr noch läuft.

Thronerbe von Sharon Penman

Thronerbe von Sharon Penman 

Seiten: 704

Verlag: Heyne

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3453275276

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Warum Thronerbe mehr erklärt als mancher Geschichtsband

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

England, 1147. Die Schlacht um die englische Krone tobt inzwischen seit mehr als einem Jahrzehnt. Weder Kaiserin Maude, die rechtmäßige Erbin König Henrys I., noch Stephen von Blois, ihr Cousin und erbitterter Widersacher, wollen von ihrem Thronanspruch ablassen. Doch als in einer schicksalsträchtigen Nacht Maudes Halbbruder und wichtigster Heerführer einem Fieber erliegt, gewinnt Stephens Feldzug an Fahrt. Die letzte Hoffnung ruht jetzt auf Maudes Sohn, der inzwischen zu einem echten Recken herangewachsen ist – und fest entschlossen scheint, den Thronanspruch seiner Familie ein für allemal durchzusetzen.

Review:

Manchmal öffnet man ein Buch und spürt nach wenigen Seiten, dass man nicht nur eine Geschichte liest, sondern einer Epoche beim Denken zusieht. Thronerbe gehört zu diesen seltenen Fällen. Sharon Penman führt nicht in eine romantisierte Vergangenheit, sondern in ein England, das 1147 im eigenen Fundament schwankt und in dem Politik weniger ein System ist als ein permanenter Ausnahmezustand. Die Autorin vertraut ihrer Leserschaft genug, um sie mitten in diesen Strudel zu werfen – ohne sanftes Heranführen, ohne schmückende Verklärungen, dafür mit einer erzählerischen Klarheit, die das Mittelalter so gegenwärtig erscheinen lässt, als würden wir es live übertragen bekommen.

England steht in jenen Jahren an einem Punkt, an dem Loyalität den Wert eines Rohstoffs hat und Vertrauen eine seltene Währung ist. Der Tod von Maudes Halbbruder Robert, der einzige Mann, der Chaos in Strategie verwandeln konnte, lässt die politische Landschaft endgültig kippen. Maude selbst, oft vorschnell auf ihr sprödes Auftreten reduziert, zeigt bei Penman eine Mischung aus Entschlossenheit und Verletzbarkeit, die ihr historisches Profil fast vollständig neu zeichnet. Sie weiß, dass die Krone nicht für sie bestimmt ist und kämpft dennoch weiter, weil der Kampf nun ihrem Sohn Henry gilt. In dieser Mutter, die ihr Ehrgeiz nicht zur Heiligen macht, sondern zur Figur von tragischer Konsequenz, liegt eine der stärksten Linien des Romans.

Henry, kaum zwanzig und bereits mit einem Gespür für Macht ausgestattet, das manchen erfahrenen Fürsten erblassen ließe, entwickelt sich hier vom politischen Versprechen zum ernstzunehmenden Akteur. Penman verleiht ihm jene charakterliche Unruhe, die große historische Figuren glaubwürdig macht. Die Begegnung mit Eleonore von Aquitanien, frisch geschieden und alles andere als ein dekoratives Anhängsel, wird zur Verbindung zweier Menschen, die verstehen, dass eine Ehe manchmal weniger ein romantisches Versprechen ist als eine strategische Vision. Eleonore tritt dabei nicht als sagenumwobenes Symbol auf, sondern als Frau mit Intelligenz, Eigensinn und einem Gespür für Macht, das selbst Henry gelegentlich ins Staunen versetzt.

Penman schreibt mit einer Präzision, die nie zur Trockenheit verkommt. Man spürt, dass sie die Archive kennt, aber man spürt ebenso, dass sie die Menschen versteht. Ihr England ist kein museales Diorama, sondern ein pulsierendes Geflecht aus Interessen, Hoffnungen und Fehlentscheidungen. Stephen, der amtierende König, geht in diesem Geflecht beinahe unter. Seine Freundlichkeit, eine Tugend nach moderner Lesart, wird in seiner eigenen Zeit zu seinem entscheidenden politischen Handicap. Man liest seine Szenen mit einer Mischung aus Zuneigung und Kopfschütteln, denn Penman verweigert ihm jede einfache Zuordnung zu Held oder Antagonist. Er ist ein Mann, der Gutes will und dennoch Schaden anrichtet, weil die Welt, in der er lebt, Milde als Schwäche liest.

Der Roman entfaltet seine Kraft nicht durch dramatische Spitzen, sondern durch eine kontinuierliche erzählerische Spannung, die daraus entsteht, dass Penman Geschichte ernst nimmt. Sie dramatisiert nicht, sie dramatisiert überhaupt nicht. Sie zeigt. Sie ordnet ein. Sie verleiht Gewicht. Und gerade das macht die Lektüre so fesselnd. Man begleitet Figuren, die sich ihrer historischen Bedeutsamkeit keineswegs bewusst sind, aber deren Entscheidungen uns heute noch beschäftigen, weil sie den Grundstein für eine Dynastie legen, die die englische Geschichte über Jahrhunderte prägen wird.

Am Ende bleibt der Eindruck, ein Buch gelesen zu haben, das seine Epoche nicht als Kulisse benutzt, sondern als Denkraum. Thronerbe ist ein Roman, der höfische Politik nicht als Schauplatz, sondern als Schicksalsmaschine begreift. Ein Werk, das seine Figuren ernst nimmt und seine Leser ebenso. Wer historische Literatur sucht, die nicht nur unterhält, sondern erklärt, findet hier eine seltene Form von erzählerischer Wahrhaftigkeit. Ein Buch, das den Staub der Jahrhunderte nicht wegbläst, sondern sichtbar macht. Und gerade deshalb so ungemein fesselnd wirkt.

Überredung von Jane Austen

Überredung von Jane Austen 

Seiten: 464

Verlag: Menasse

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3717525883

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Austens modernster Roman – überraschend zeitlos

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

Nach Jahren der Trennung begegnet Anne Elliot Kapitän Wentworth wieder, mit dem sie unter dem Druck ihrer Familie gebrochen hatte, ohne ihn jedoch vergessen zu können. In ihrem kürzesten, aber auch empfindsamsten Roman gestaltet Jane Austen das Motiv eines frühen, missverstandenen Verzichts und später Erfüllung.

Schauplatz dieses Romans ist Kellynch Hall, Herrensitz des eitlen, jedoch annähernd ruinierten Sir Walter Elliot. Dessen zweitälteste Tochter Anne hat auf den Rat ihrer mütterlichen Freundin Lady Russell hin vor Jahren den Heiratsantrag des jungen, mittellosen Seeoffiziers Frederick Wentworth abgelehnt. Die Hoffnung, den verlorenen Geliebten jemals wiederzugewinnen, hat sie aufgegeben und sich in ihr Schicksal gefügt. Da begegnet sie Wentworth wieder, der inzwischen ein wohlhabender Mann ist. Eine erneute Annäherung der beiden Liebenden scheint jedoch unmöglich: Wentworth hat sich durch leichtsinniges Verhalten zur Hochzeit mit der jungen Louisa Musgrove verpflichtet, während Anne von ihrem entfernten Verwandten William umworben wird.

Review:

Jane Austens Überredung ist jenes seltene Spätwerk, in dem eine Autorin ihre eigene Poetik noch einmal auf links zieht und dabei eine fast schmerzhafte Klarheit über das menschliche Herz gewinnt. Wer Austen bislang vor allem mit funkelnder Ironie, gesellschaftlicher Spitzfindigkeit und jugendlicher Emphase verbindet, erlebt hier eine Überraschung: Überredung ist leiser, reifer, tiefer und von einer melancholischen Temperatur, die man eher einem Roman des 20. Jahrhunderts zutrauen würde als einer Regency-Komödie. Es ist, als spüre man hinter jedem Satz das Wissen um das unausweichliche Verstreichen von Zeit, um verpasste Chancen und um die Last einer Gesellschaft, die Menschen erst definiert und dann gefangen hält.

Im Zentrum steht Anne Elliot, eine Figur, die mit einer fast grausamen Behutsamkeit gezeichnet wird. Sie tritt nicht auf, sie verblasst. Und doch besitzt sie eine geistige Statur, die in Austens Oeuvre ihresgleichen sucht. Diese Frau, die schon mit siebenundzwanzig als soziale Antiquität betrachtet wird, ist das stille Kraftzentrum des Romans. Anne ist verletzbar, aber nie schwach. Sie ist übergangen, aber nicht leer. Sie trägt eine innere Welt in sich, die ihr Umfeld nicht einmal erahnt, und gerade diese Diskrepanz macht sie so modern. Selten hat Austen die Einsamkeit innerhalb einer Familie so präzise entlarvt. Die Elliots sind ein einziger Egoschwarm, brütend über Statusfantasien, blind für die menschliche Qualität direkt vor ihren Augen. Man begreift rasch, dass Anne weniger unter einer gescheiterten Liebe leidet als unter einem Milieu, das die eigene Tochter wie eine lästige Randnotiz behandelt.

Und dann ist da Frederick Wentworth, jener verlorene und wiederkehrende Stern, dessen Erscheinen die tektonischen Spannungen des Romans freilegt. Austen schildert die Wiederbegegnung dieser beiden Menschen mit einer meisterlichen Mischung aus Zurückhaltung und emotionaler Präzision. Kein großes Pathos, stattdessen ein wortarmes Neben- und Gegeneinander, das mehr über Sehnsucht erzählt als ganze Trilogien. Man spürt: Diese Liebe hat ein Gedächtnis. Sie hat beiden wehgetan und beide geprägt. Sie hat die Jahre überlebt, aber nicht unbeschadet. Wentworths Haltung ist zunächst hart, geradezu abweisend. Nicht, weil er gefühllos wäre, sondern weil Verletzung und Stolz ihre eigene Rhetorik haben. Austen zeigt hier, wie schwer es ist, das Schweigen zwischen zwei Menschen zu durchdringen, wenn beide zu viel verlieren könnten, indem sie reden.

Auffällig an Überredung ist auch die schriftstellerische Disziplin, die jede Szene trägt. Austens Ironie ist nie verschwunden, doch sie flackert gedämpft, konzentriert, gezielt. Sie arbeitet wie eine Schneide, nicht wie ein Feuerwerk. Mehr noch: Die Autorin nimmt ihre Nebenfiguren mit einer Schärfe ins Visier, die zugleich gesellschaftliche Diagnose und komödiantische Anatomie ist. Sir Walter mit seiner selbstverliebten Spiegelreligion, Elizabeth mit ihrer eisigen Grandiosität, Mary mit ihrem unerschütterlichen Talent zur Selbstdramatisierung – sie alle verkörpern eine soziale Wirklichkeit, deren Werte bereits erodieren, während sie noch aufrecht gehalten werden. Dass Austen den aufstrebenden Marineoffizieren spürbar Respekt entgegenbringt, verleiht dem Roman eine historische Erdung, die ihn aus dem Korsett höfischer Konventionen löst.

Man liest Überredung heute und erkennt darin eine erstaunlich zeitlose Geschichte über Menschen, die zu lange warten, zu viel schweigen, zu wenig wagen. Es ist ein Roman über die Frage, wie wir uns selbst verlieren können, indem wir uns zu sehr an die Erwartungen anderer anpassen. Und ein Roman darüber, wie viel Mut es braucht, eine zweite Chance nicht nur zu bekommen, sondern auch zu ergreifen. Austen inszeniert diesen Prozess ohne Kitsch, ohne Belehrung. Sie zeigt, wie das Herz wächst, indem es bricht. Der berühmte Brief am Ende ist nicht romantische Verzückung, sondern kontrolliertes Beben, das literarisch kaum übertroffen wurde.

Überredung ist für mich Jane Austens kühnstes Buch. Nicht, weil es besonders laut wäre, sondern weil es sich traut, so leise zu sein. Seine Melancholie ist kein Makel, sondern die Voraussetzung für seine Wahrheit. In dieser Zurückgenommenheit, in dieser fast unmerklichen emotionalen Verdichtung, liegt ein literarischer Zauber, der lange nachhallt. Wer Austen nur als brillante Satirikerin kennt, wird hier entdecken, dass sie auch eine Meisterin des menschlichen Zwischentons ist. Und wer glaubt, Klassiker seien vor allem stilvolle Pflichtlektüre, wird überrascht sein, wie gegenwärtig ein Roman klingen kann, der vor über zweihundert Jahren geschrieben wurde.

Kurz gesagt: Überredung ist nicht nur einer der bedeutendsten Texte Austens, sondern einer jener Romane, die einen noch Wochen später daran erinnern, dass Literatur mehr sein kann als Unterhaltung. Sie kann eine leise, beharrliche Form der Offenbarung sein.

Dracula. Ein Vampirroman von Bram Stoker

Dracula. Ein Vampirroman von Bram Stoker 

Seiten: 512

Verlag: Anaconda

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3730615238

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Ein Monster namens Gesellschaft

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

Die Gestalt des Grafen Dracula ist eine der bekanntesten literarischen Figuren der Welt. Seit im Jahr 1897 der Vampirroman Dracula des irischen Schriftstellers Bram Stoker erschien, ist sie aus Literatur und Film kaum mehr wegzudenken. Besonders das Kino hat die Vampire schnell bildgewaltig für sich entdeckt – den genreeigenen Qualitäten des literarischen Originals hat dies jedoch keinen Abbruch getan. Bis heute ist Stokers Roman über den jungen Anwalt Harker und den dämonischen Untoten Dracula ein schaurig-schönes Leseerlebnis.

Review:

Bram Stokers Dracula ist eines jener Bücher, die weniger gelesen als erinnert werden, als ob der Mythos selbst das Lesen überflüssig gemacht hätte. Jeder kennt ihn, diesen bleichen Adligen aus Transsilvanien, der sich in Nebel auflöst und an Hälsen labt, doch kaum jemand weiß noch, dass Dracula weit mehr ist als der Geburtsakt einer Popfigur. Es ist ein Roman, der aus den Ängsten einer Gesellschaft geboren wurde, die gerade den Boden unter den Füßen verlor.

Das späte viktorianische England, stolz auf seine Moral, besessen von Wissenschaft und Fortschritt, ahnte zugleich, dass seine Werte zu bröckeln begannen. In dieses Spannungsfeld aus Glauben und Vernunft, aus Prüderie und Begierde, aus Kolonialstolz und Angst vor dem Fremden tritt Bram Stoker mit seinem Vampir, der in Wahrheit nichts anderes ist als ein Symbol für all das Verdrängte. Dracula ist die Nachtseite der viktorianischen Seele, ein Spiegel, in dem die feine englische Gesellschaft das sieht, was sie nicht sein darf.

Man vergisst leicht, wie modern Stokers Erzählweise war. Die Geschichte entfaltet sich in Tagebüchern, Briefen und Telegrammen, die das Grauen gleichsam aktenkundig machen. Es ist ein literarisches Kaleidoskop, das Authentizität suggeriert und doch Distanz schafft. So liest sich Dracula nicht wie ein Schauerroman, sondern wie eine Sammlung von Zeugenaussagen über ein Verbrechen, das keiner begreifen kann. Leider bezahlt Stoker diesen Einfall mit dem Preis der Monotonie. Die ständige Wiederholung, die unendlichen Beratungen seiner Protagonisten, die religiösen Exaltationen Van Helsings wirken auf heutige Leser eher unfreiwillig komisch als erschütternd.

Und doch besitzt dieser Roman einen Sog, dem man sich schwer entziehen kann. Zwischen all der moralischen Enge, dem männlichen Pathos und den salbungsvollen Gebeten blitzt eine erstaunliche Modernität auf. Mina Harker, die „Frau mit dem Männerverstand“, ist eine der ersten Figuren, die die Grenzen der Geschlechterrollen sprengt, auch wenn sie dafür am Ende in die häusliche Tugend zurückgezwungen wird. Lucy Westenra wiederum wird zur Chiffre für die Angst vor weiblicher Sexualität. Erst als sie zur Blutsaugerin wird, darf sie begehren, und genau das ist ihr Todesurteil.

Stoker schreibt, wie ein Mann des 19. Jahrhunderts schreibt, der mehr fühlen will, als seine Zeit erlaubt. Sein Stil ist theatralisch, von Übertreibungen durchzogen, doch immer getragen von einer eigentümlichen Ernsthaftigkeit, die das Banale transzendiert. Hinter dem überlangen Plot, der zwischen Spuk und Sitzungsprotokoll schwankt, steckt eine tiefe moralische Unruhe. Es geht nicht um Vampire, es geht um das, was die Menschen zu Vampiren macht: die Furcht vor dem Anderen, die Sehnsucht nach Kontrolle, der Wunsch, das Leben zu verlängern, koste es, was es wolle.

Dracula ist kein perfekter Roman. Er ist ein hastig gebautes Monument aus Angst, Begehren und viktorianischer Selbsttäuschung. Aber er ist ein notwendiges Buch, weil er den dunklen Kern der Moderne freilegt. Dass sein Held nur selten in Erscheinung tritt, ist kein Zufall, sondern Programm. Das Unheimliche ist hier nicht der Graf aus Transsilvanien, sondern die Gesellschaft, die ihn nötig hat, um sich selbst zu erkennen.

Ein Jahrhundert später bleibt Stokers Roman ein unheimlich lebendiges Artefakt. Wer ihn liest, begegnet nicht dem Vampir, sondern dem Menschen – und das ist bekanntlich das Schrecklichste überhaupt.

Der Nachbar von Sebastian Fitzek

Der Nachbar von Sebastian Fitzek

Seiten: 381

Verlag: Droemer

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3426281759

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"Willkommen in der literarischen Lärmbelästigung"

Bewertung: 1/10 ⭐

Inhalt:

Die Strafverteidigerin Sarah Wolff leidet an Monophobie, der Angst vor Einsamkeit. Was sie nicht weiß: Nachdem sie mit ihrer Tochter an den Stadtrand Berlins gezogen ist, hat sie einen unsichtbaren Nachbarn, der sie keine Sekunde lang allein lassen wird …

Das Unheimliche lauert im engsten Umfeld - der neue nervenzerreißende Psychothriller von #1-Bestseller-Autor Sebastian Fitzek sorgt für garantiert unruhige Nächte!

Review:

Sebastian Fitzeks Der Nachbar ist jener literarische Nachbarschaftsalbtraum, den man am liebsten sofort wieder aus dem Briefkasten fischen und ungelesen dem Recycling zuführen möchte. Es ist ein Buch, das lautstark Spannung behauptet, während es in Wahrheit nur den Lärm seiner eigenen Konstruktion produziert. Fitzek schreibt, als säße er in einem dramaturgischen Tonstudio, in dem jede Szene mit maximalem Effekt aufgedreht, jeder Gedanke auf Knopfdruck dramatisiert und jeder Rest von Glaubwürdigkeit herausgefiltert wird.

Natürlich funktioniert das – so wie auch ein Nebelhorn funktioniert: es ist laut, man hört es, aber niemand nennt es Musik. Fitzeks Prosa gleicht einer Fabrikproduktion, die seit Jahren dasselbe Fließband in Betrieb hält. Wieder eine Frau mit Kindheitstrauma. Wieder ein geheimnisvoller Mann, der nicht der ist, der er scheint. Wieder ein Setting, das so tut, als sei es psychologisch tief, dabei aber den Realismus eines Freizeitparks besitzt. Es gibt Wendungen, Twists, Enthüllungen – und keine davon hat irgendeinen erzählerischen Nährwert.

Die Handlung? Ein wüster Zirkus aus Absurditäten, in dem der gesunde Menschenverstand bereits auf Seite zwanzig die Flucht ergreift. Was als düstere Parabel über Angst und Einsamkeit beginnt, endet als hysterisches Versteckspiel zwischen absurden Zufällen und noch absurderen Motivationen. Fitzek scheint derart verliebt in seine eigene Fähigkeit, Leser zu täuschen, dass er darüber vergisst, warum man überhaupt eine Geschichte erzählt: um Figuren zu verstehen, nicht um sie als Marionetten eines überdrehten Thriller-Apparats vorzuführen.

Und dann dieser Epilog – ein Kapitel, das vermutlich in einem literarischen Gerichtssaal als Beweisstück für geistige Brandstiftung dienen könnte. Er soll offenbar mysteriös wirken, ist aber nur das literarische Äquivalent eines Kabelsalats: man weiß nicht, wo Anfang und Ende sind, und fragt sich, warum man sich das überhaupt antut.

Fitzek schreibt, als sei Literatur eine sportliche Disziplin, bei der es darauf ankommt, wie viele Plotwendungen man pro Seite unterbringen kann. Er verwechselt Tempo mit Tiefe, Überraschung mit Substanz, Effekthascherei mit Kunst. Sein Stil ist der literarische Energy-Drink: kurzzeitig stimulierend, aber am Ende bleibt ein klebriger Nachgeschmack und das dumpfe Gefühl, man habe wieder einmal Zeit vergeudet, die man nie zurückbekommt.

Der Nachbar ist kein Thriller, es ist eine Gebrauchsanweisung dafür, wie man Spannung restlos entkernt und trotzdem Bestseller schreibt. Ein Buch wie ein synthetischer Snack – süß, laut, leer. Man kann Fitzek dafür bewundern, dass er seine Marke perfektioniert hat. Man kann ihn lesen wie man Fast Food isst: aus Gewohnheit, nicht aus Hunger. Doch wer Literatur erwartet, sollte wissen: in dieser Nachbarschaft wohnt sie längst nicht mehr.

Liebe und Freundschaft von Jane Austen

Liebe und Freundschaft von Jane Austen

Seiten: 96

Verlag: Penguin

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3328113657

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Zwischen Spott und Genie: Die Geburt der Jane Austen

Bewertung: 6/10 ⭐

Inhalt:

Was später ihre großen Romanthemen werden sollten, beschäftigte bereits die jugendliche Erzählerin Jane Austen: Liebe, Partnersuche, Heiratsanbahnung und alle damit einhergehenden Verwicklungen. Hellsichtig und geradezu genüsslich demonstriert sie in «Liebe und Freundschaft», warum die Suche nach dem oder der Richtigen fürs Leben eine unerschöpfliche Quelle der Erheiterung ist. Die abenteuerliche Geschichte zweier Paare gerät zu einer gnadenlos komischen Satire auf die romantische Liebe. Das Ideal der Liebenden ist eine heimliche Hochzeit: Nur eine Verbindung gegen den Willen der Eltern kann als wahrhaft romantisch gelten!

Für alle, die Jane Austen lieben, ist diese Perle aus dem Frühwerk ein Muss: Nicht minder amüsant, doch noch um einiges scharfzüngiger als in ihren großen Romanen nimmt die Autorin darin Herzensbindungen und gesellschaftlichen Verwicklungen aufs Korn. Nie war ihre Feder spitzer, nie waren ihre Dialoge bissiger als in diesem frühen Glanzstück.

Review:

Jane Austens Liebe und Freundschaft ist weniger ein fertiger Roman als ein literarisches Experiment voller Übermut und Esprit. Geschrieben im zarten Alter von vierzehn Jahren, offenbart dieses Werk bereits die Schärfe, den Witz und die unbestechliche Beobachtungsgabe, die später Stolz und Vorurteil oder Emma prägen sollten. Doch hier herrscht noch das reine Vergnügen am Spiel: Austen verspottet mit jugendlicher Frechheit die sentimentalen Liebesgeschichten ihrer Zeit, in denen Ohnmachten, moralische Bekenntnisse und hysterische Tugend zu literarischer Mode geworden waren.

Die Figuren in Liebe und Freundschaft sind Karikaturen: schwärmerisch, unvernünftig, trunken vor Gefühl. Jeder Brief treibt die Übertreibung weiter, bis die Lächerlichkeit in Komik umschlägt. Der berühmte Rat „Lauf so oft du willst aus dem Haus, aber ohnmächtig wirst du nicht!“ ist nicht nur eine Persiflage auf weibliche Schwächegesten, sondern auch ein Bekenntnis zur Eigenständigkeit – zu jener inneren Unabhängigkeit, die Austens Heldinnen später auszeichnen wird.

Natürlich ist das Ganze stilistisch noch unausgegoren, der Aufbau sprunghaft, die Handlung absurd. Doch gerade dieses Unfertige ist faszinierend. Inmitten des überdrehten Tons blitzt schon der souveräne Humor einer jungen Frau auf, die sich nicht länger von der literarischen Männlichkeit ihrer Zeit einschüchtern lässt. Austen hält dem Publikum den Spiegel vor, indem sie die gängigen Klischees bis zur Lächerlichkeit steigert – und beweist damit ein erstaunliches Gespür für Satire.

Auch die weiteren Texte der Sammlung – Lesley Castle, The History of England oder die kleinen Brieffragmente – tragen denselben Ton jugendlicher Unerschrockenheit. Sie sind Zeugnisse eines Geistes, der denkt, lacht und beobachtet, lange bevor er die Form dafür gefunden hat.

Liebe und Freundschaft ist also kein Nebenwerk, das man nur aus Neugier liest, sondern ein Blick in die Werkstatt eines Genies. Es zeigt Jane Austen beim Entstehen, beim Spötteln, beim Lachen über das Pathos der Welt. Wer hier Perfektion sucht, wird sie nicht finden – wer aber den Ursprung einer einzigartigen literarischen Stimme entdecken will, wird entzückt sein.

Die Klippen des Todes von Josephine Tey

Die Klippen des Todes von Josephine Tey 

Seiten: 256

Verlag: Anaconda

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3730615661

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Zwischen Meer, Moral und Menschenrätseln

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

Die schöne Filmschauspielerin Christine Clay liegt tot am Strand. Sie ist wohl nicht freiwillig aus dem Leben geschieden, in ihrem Haar hat sich ein Knopf verheddert. Inspector Alan Grant von Scotland Yard muss zunächst einfach den dazugehörigen Mantel finden. Sein Weg dahin ist wendungsreich und führt von einem verdächtigen Hausgast zu einer Wahrsagerin und von ihr – aber lesen Sie selbst. Ein clever konstruierter Fall der wiederentdeckten schottischen Kriminalautorin Josephine Tey, ganz nach dem Geschmack des jungen Alfred Hitchcock, der diese Story verfilmt hat.

Review:

Josephine Teys Die Klippen des Todes beginnt mit einer jener Szenen, die man sofort im Kopf hat: eine tote Frau am Strand, das Meer, das seine Beute wieder freigibt, ein Rätsel, das sich langsam entfaltet. Die Leiche entpuppt sich als die berühmte Schauspielerin Christine Clay, ein Idol der Dreißigerjahre, und aus dem zunächst beiläufigen Polizeifall wird ein Blick in die Schattenseiten des Ruhms. Tey interessiert sich nicht für den Schockwert des Verbrechens, sondern für die Menschen, die darin verstrickt sind. Ihre Kunst besteht darin, hinter dem Krimi die Tragödie zu zeigen, die sich nicht in Blut, sondern in seelischen Rissen abspielt.

Inspector Alan Grant, der hier zum zweiten Mal ermittelt, ist alles andere als der allwissende Meisterdetektiv. Er zweifelt, irrt, verliert die Übersicht, und genau das macht ihn sympathisch. Er ist ein Mann, der mehr nachdenkt, als ihm guttut, einer, der das Böse nicht als intellektuelles Rätsel betrachtet, sondern als Zumutung an die Moral. Dass Tey ihn nicht ständig in den Mittelpunkt stellt, sondern die Erzählung auf mehrere Stimmen verteilt, wirkt klug und modern. Besonders Erica Burgoyne, die beherzte Tochter des Polizeichefs, stiehlt Grant beinahe die Show. Sie ist neugierig, mutig, impulsiv und zugleich verletzlich, eine jener Figuren, die in der Erinnerung bleiben, weil sie so unvollkommen menschlich sind.

Teys Erzählweise ist präzise, ohne prätentiös zu wirken. Sie hat den überhitzten Ton vieler Zeitgenossen hinter sich gelassen und schreibt mit jener stillen Souveränität, die keine Effekte braucht. Ihr Roman liest sich wie ein stilles Gespräch über Schuld und Schein, über das, was Menschen sich vormachen, um weiterleben zu können. Dass sie nebenbei auch das Phänomen des Starkults seziert, verleiht dem Buch eine unerwartete Aktualität. Die Gier nach Klatsch, die Oberflächlichkeit des Ruhms, das Spiel mit der Öffentlichkeit – all das wirkt frappierend vertraut, als läse man einen Kommentar zur Gegenwart.

Natürlich ist nicht alles gelungen. Der Plot trägt Spuren seiner Entstehungszeit. Einige Dialoge wirken gestelzt, manche Motivationen scheinen eher den Konventionen des Genres geschuldet als psychologischer Plausibilität. Und ja, es gibt jene beiläufigen antisemitischen Bemerkungen, die man mit dem historischen Kontext erklären kann, ohne sie entschuldigen zu wollen. Sie stören, weil sie zeigen, wie selbstverständlich das Vorurteil einst im Denken verankert war, selbst bei einer Autorin von Teys Intelligenz.

Trotzdem: Die Klippen des Todes hat Charme. Es ist kein Meisterwerk, aber ein Werk, das zeigt, wie jemand auf dem Weg dorthin ist. Josephine Tey versteht es, Spannung ohne Lärm zu erzeugen, Menschen zu zeichnen, die sich nicht leicht begreifen lassen, und eine Atmosphäre zu schaffen, die noch lange nach der letzten Seite anhält. In einer Zeit, in der der Kriminalroman oft nur noch auf Tempo und Twist setzt, wirkt Teys ruhige Genauigkeit fast anstößig altmodisch – und gerade deshalb wohltuend. Wer sich auf ihr leises Erzählen einlässt, entdeckt ein Buch, das weniger laut unterhält als still überzeugt.

Stonehenge - Die Kathedrale der Zeit von Ken Follett

Stonehenge - Die Kathedrale der Zeit von Ken Follett

Seiten: 672

Verlag: Lübbe

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3757701232

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Von der Mühsal des Erbauens – und des Lesens

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

Mit seinem ambitionierten neuen Roman lädt Welt-Bestsellerautor Ken Follett uns ein, an seiner Seite eines der größten Mysterien der Weltgeschichte zu erkunden: Stonehenge

Ein Mann mit außergewöhnlicher Gabe

In der Hitze des Hochsommers überquert Seft, ein begnadeter Feuersteinhauer, die Große Ebene, um den Ritualen beizuwohnen, die den Beginn des neuen Jahres anzeigen. Beim Markt zur Sommersonnenwende will er einige seiner Steine eintauschen und Neen suchen, das Mädchen, das er liebt. Neens Familie lebt in Wohlstand und bietet Seft in ihrer Gemeinschaft von Hirten Zuflucht vor seinem brutalen Vater und seinen aggressiven Brüdern.

Eine Priesterin, die an das Unmögliche glaubt

Joia, Neens Schwester, ist eine Priesterin mit Vision, eine geborene Anführerin. Schon als Kind sieht sie der Zeremonie zur Sommersonnenwende wie gebannt zu. Sie träumt von einem wundergleichen neuen Monument, errichtet aus den größten Steinen der Welt.

Ein Monument, das eine Zivilisation prägen wird

Joias Vision von einem großen Steinkreis inspiriert Seft und wird zu ihrem gemeinsamen Lebenswerk. Doch als Dürre die Erde plagt, wächst das Misstrauen zwischen Hirten, Ackerbauern und Waldbewohnern - und eine grausame Gewalttat führt zu offenem Krieg ...

Review:

Ken Follett hat sich längst als Baumeister des historischen Epos etabliert, und nun wagt er sich in eine Zeit, in der Geschichte noch gar nicht geschrieben wurde. In Stonehenge. Die Kathedrale der Zeit erzählt er von einer Welt, die ihre Ordnung aus Sonne, Hunger und Aberglauben bezieht. Um 2500 vor Christus bevölkern Bauern, Hirten und Sammler das karge Land, und irgendwo zwischen ihnen entsteht die Idee, ein steinernes Monument für den Himmel zu errichten.

Was Follett hier unternimmt, ist ein ebenso kühnes wie riskantes Experiment: Er schreibt historische Fiktion ohne Geschichte, er baut erzählerisch auf Sand. Und doch gelingt es ihm, dieser prähistorischen Welt Gestalt zu geben, indem er ihre Menschen in den Mittelpunkt rückt. Seft, ein begabter Flintarbeiter, und Joia, eine junge Priesterin mit visionärem Blick, verkörpern den Urkonflikt zwischen Glauben und Handwerk, zwischen Geist und Materie. Ihre Beziehung ist keine Liebesgeschichte im romantischen Sinn, sondern eine Allianz im Namen des Fortschritts, getragen vom Drang, etwas zu schaffen, das größer ist als sie selbst.

Follett ist ein Meister darin, alltägliche Mühsal erzählerisch aufzuladen. Man spürt in jeder Seite die körperliche Anstrengung seiner Figuren, das Ziehen, Schleppen und Ringen mit der Natur. Das Lesen gleicht manchmal selbst einem mühseligen Transport, weil Follett die Wiederholung liebt, weil er jede Geste, jedes Handwerkliche auskostet, bis auch der Leser erschöpft ist. Wer seine ausgreifenden Bauprojekte wie Die Säulen der Erde liebt, wird hier ein vertrautes Echo hören. Doch wer Straffheit erwartet, wird ungeduldig werden.

Seine Figuren bewegen sich in einer Welt, die so weit entfernt scheint und doch merkwürdig vertraut wirkt. Die Konflikte zwischen den Stämmen über Ressourcen, Macht und Glauben erinnern an moderne Gesellschaften, die um dieselben Fragen kreisen. Man könnte sagen, Follett verlegt die Gegenwart in die Vorgeschichte. Dass seine Charaktere dabei oft zeitgenössisch denken und sprechen, stört kaum, weil diese Anachronismen den emotionalen Zugang erleichtern.

Es ist ein Roman der Gegensätze: archaisch und modern, monumental und schlicht, spekulativ und handfest. Folletts Sprache bleibt überraschend einfach, manchmal zu einfach, als wolle er seine Erzählung wie ein mythisches Gleichnis verstanden wissen. Gerade darin liegt aber auch ihre Kraft. Sie erhebt sich nicht über die Figuren, sondern steht mit ihnen im Lehm, im Rauch und im Schweiß.

Wenn der Bau des Steinkreises endlich Gestalt annimmt, wenn die Gemeinschaft trotz Rivalität und Leid zu etwas Größerem findet, entfaltet der Roman jene erzählerische Gravitation, die man von Follett kennt. Dann spürt man, dass es hier nicht nur um die Errichtung eines Monuments geht, sondern um die Geburt einer Idee: dass Kultur immer dort beginnt, wo Menschen gemeinsam das Unmögliche versuchen.

Follett hat kein perfektes Buch geschrieben, aber eines, das in seiner Unvollkommenheit überzeugt. Stonehenge. Die Kathedrale der Zeit ist keine archäologische Rekonstruktion, sondern ein poetischer Entwurf über den Ursprung des Zivilisationsgedankens. Man liest es mit Bewunderung, gelegentlich mit Ermüdung, und legt es schließlich mit jenem leisen Staunen aus der Hand, das große Literatur immer hinterlässt.

Ken Follett bleibt der Baumeister unter den Erzählern. Und manchmal genügt schon ein einziger Stein, um uns daran zu erinnern, dass selbst Mythen aus Menschenhand gemacht sind.

Nikotin – Eine Tragödie in drei Akten von Agatha Christie

Nikotin – Eine Tragödie in drei Akten von Agatha Christie

Länge: 6h 44min

Verlag: der Hörverlag

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3844554165

Kaufen: Amazon.de

Christoph Maria Herbst trifft auf Agatha Christie – ein Hörvergnügen mit Giftspur

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

Als Pfarrer Babbington auf einer Party an seinem Cocktail nippt, bricht er tot zusammen. Wenig später kommt es bei einem Dinner zur nächsten Tragödie, und auch der hoch angesehene Arzt Sir Bartholomew Strange stirbt. Hercule Poirot hegt keinen Zweifel daran, dass die beiden Unglücksfälle miteinander zusammenhängen. Denn immerhin waren bei beiden Anlässen dieselben Gäste zugegen. Doch wer von ihnen hatte ein Motiv für gleich zwei Morde?

Review:

Agatha Christie hatte stets ein Faible für Maskenspiele. In Nikotin – Eine Tragödie in drei Akten verwandelt sie das klassische Whodunit in ein Bühnenstück über Täuschung, Selbstinszenierung und die Kunst der Beobachtung. Die Mörderin unter den Schriftstellerinnen – so hat man sie gern genannt – kleidet ihren Mord diesmal in Theaterkostüme, lässt die Tat in drei Akten spielen und verleiht der Geschichte eine Form, die so kunstvoll gebaut ist, dass selbst der aufmerksame Leser an den falschen Fäden zu ziehen beginnt.

Ich habe das Buch als Hörbuch gehört, gelesen von Christoph Maria Herbst – und selten hat ein Sprecher Christies trockenen Humor und die pointierte Eitelkeit ihrer Figuren so präzise getroffen. Herbst spielt nicht einfach, er dirigiert. Er verleiht Poirot eine selbstgefällige Würde, Sir Charles Cartwright einen Hauch von Bühnenpathos, und Egg Lytton Gore die fiebrige Naivität einer jungen Frau, die noch nicht begriffen hat, dass das Leben kein Probenraum ist.

Der Auftakt wirkt harmlos: ein mondäner Schauspieler lädt zum Dinner, die Stimmung ist ausgelassen, der Alkohol fließt, bis plötzlich einer der Gäste, ein harmloser Geistlicher, nach einem Cocktail tot zusammenbricht. Kein Gift, kein Motiv, kein Verdächtiger. Hercule Poirot, der berühmteste Belgier der Weltliteratur, sitzt mit am Tisch, bleibt jedoch seltsam unbeteiligt. Erst als ein zweiter Todesfall den Schatten des ersten verlängert, beginnt er, seine kleinen grauen Zellen wieder zu beschäftigen. Christies Genie liegt hier nicht in der Raffinesse der Morde, sondern in der Dramaturgie der Enthüllung. Sie zieht den Vorhang nicht mit einem Ruck, sondern lässt ihn Stück für Stück sinken, bis das Publikum erkennt, dass es die ganze Zeit auf die falsche Person gestarrt hat.

Das Besondere an diesem Roman ist nicht die Auflösung – sie ist, wie bei Christie so oft, brillant, aber kaum glaubwürdig –, sondern die Konstruktion. Das Buch ist Theater im Buchformat. Die Figuren agieren, als stünden sie auf einer Bühne: Sir Charles Cartwright, der charmante Schauspieler mit einer Leidenschaft für Dramatik, führt sich auf, als habe er den Regieposten des Lebens an sich gerissen. Mr. Satterthwaite, der ewige Beobachter aus "Der seltsame Mr. Quin", spielt die Rolle des freundlichen Kommentators, der sich einbildet, mehr zu wissen, als er tatsächlich versteht. Und dann gibt es „Egg“ – eine junge Frau mit der Naivität eines Backfischs und dem Ehrgeiz einer Schauspielerin, die in ihrem eigenen Stück die Hauptrolle sucht.

Natürlich hat der Text seine Schwächen. Die ersten Kapitel wirken etwas behäbig, und Poirot bleibt lange abwesend. Doch sobald er die Bühne betritt, zieht Christie alle Fäden zusammen, und das letzte Kapitel – eine Szene fast wie bei Ibsen – besitzt eine theatralische Wucht, die man ihr gar nicht zugetraut hätte. Der letzte Satz, den man hier nicht verraten darf, ist von einer bitteren Komik, die das ganze Stück in sich zusammenfaltet.

Am Ende bleibt ein Roman, der mehr ist als ein klassischer Krimi. Nikotin – Eine Tragödie in drei Akten ist Christies ironischstes Werk über die Verführbarkeit der Wahrnehmung und die Illusion der Kontrolle. Ein Stück über Eitelkeit, Masken und das gefährliche Spiel zwischen Sein und Schein. Wer hier nur einen weiteren Fall für Hercule Poirot erwartet, wird angenehm enttäuscht – denn Christie hat kein Rätsel konstruiert, sie hat eine Bühne gebaut. Und Christoph Maria Herbst verleiht dieser Bühne in der Hörbuchfassung eine Stimme, die zwischen Ironie, Ernst und Theatralik oszilliert – ein Auftritt, der fast schon selbst eine Tragödie in drei Akten wert wäre.

Das Schiff der flüsternden Träume von Alastair Reynolds

 Das Schiff der flüsternden Träume von Alastair Reynolds

Seiten: 368

Verlag: Heyne

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3453323807

Kaufen: Amazon.de

Ein Rätsel aus Zeit, Raum und Bewusstsein

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

Die Vergangenheit. Eine kleine Gruppe wagemutiger Forscher bricht an Bord des Segelschiffes »Demeter« in den Norden auf. Sie wollen ein rätselhaftes Artefakt untersuchen, das in Nordnorwegen im Eis schlummert. Doch als die Crew, begleitet vom Schiffsarzt Doktor Silas Coade, ihre Untersuchungen beginnt, geschieht eine Katastrophe, so gewaltig, dass ihre Auswirkungen noch in der fernen Zukunft spürbar sein werden ...

Review:

Alastair Reynolds überrascht. Wer ihn für den Mann gigantischer Sternenpanoramen und endloser Raumzeitkurven hält, erwartet wohl eine weitere Space Opera, bekommt hier jedoch ein konzentriertes Rätsel von seltener Eleganz. Das Schiff der flüsternden Träume beginnt wie ein klassischer Expeditionsroman, riecht nach salziger Gischt und kaltem Fjordwind, nach Abenteuergeschichten aus dem 19. Jahrhundert, und gleitet dann fast unmerklich in ein Spiel aus Illusion, Wiederholung und Verunsicherung.

Im Zentrum steht Dr. Silas Coade, ein Arzt, der auf einem norwegischen Segler nach einem geheimnisvollen Artefakt sucht, sich kurz darauf auf einem Luftschiff in der Antarktis wiederfindet und schließlich an Bord eines Raumschiffs auf der Jagd nach demselben Rätsel. Die Crew bleibt stets dieselbe, die Mission identisch, nur Zeit und Schauplatz verändern sich, als würde jemand die Welt immer neu aufziehen. Jede dieser Unternehmungen endet im Desaster und jedes Scheitern wirft ein weiteres Licht auf die fragilen Grenzen zwischen Wahrnehmung und Wirklichkeit.

Reynolds erzählt das mit einer Präzision, die an viktorianische Prosa erinnert, aber zugleich von kühler Modernität zeugt. Seine Sprache ist klar, nie prätentiös, und doch voller Anspielungen auf maritime Abenteuer, frühe Luftfahrt und den kargen Glanz des Weltraums. Die Figuren sind keine Staffage. Silas entfaltet sich langsam zu einer komplexen, widersprüchlichen Persönlichkeit, während Kapitän, Ingenieur und andere Mitreisende so plastisch erscheinen, dass man meint, ihr Atem beschlage die Seiten.

Wer den endlosen Kosmos seiner Revelation-Space-Romane liebt, wird vielleicht den großen Maßstab vermissen. Doch gerade die Reduktion auf den Menschen, auf Freundschaft, Moral und die zermürbende Frage nach der eigenen Identität, macht den Reiz dieses Romans aus. Am Ende fügt sich alles mit einer Logik, die ebenso überraschend wie unvermeidlich wirkt und den Leser gleichsam von innen nach außen kehrt.

Dieses Buch ist kein galaktischer Donnerhall, sondern ein leiser, kunstvoller Schlag gegen unsere Gewissheiten. Es ist klug konstruiert, atmosphärisch dicht und philosophisch anregend. Wer Literatur sucht, die Abenteuerlust und Nachdenklichkeit miteinander verwebt, wird hier reich belohnt. Reynolds beweist mit diesem Roman, dass er nicht nur die Unendlichkeit des Alls, sondern auch die inneren Weiten des Menschen meisterhaft zu erkunden versteht.

2050 – Überleben hat einen Preis - Thomas R. Weaver

2050 – Überleben hat einen Preis - Thomas R. Weaver

Seiten: 544

Verlag: Heyne

Sprache: Deutsch

ISBN-10: 3453323920

Kaufen: Amazon.de

Eine Zukunft, die längst begonnen hat.

Bewertung: 8/10 ⭐

Inhalt:

Wir schreiben das Jahr 2050. Zehn Jahre ist es her, seit eine Hitzewelle vierhundert Millionen Menschen im Persischen Golf getötet hat – darunter auch die Frau des Journalisten Marcus Tully. Als ihm Informationen zugespielt werden, die darauf hinweisen, dass es keine Naturkatastrophe, sondern eine von Menschen gemachte war, nimmt er die Ermittlungen auf. Seine Recherchen führen ihn mitten ins Zentrum der geopolitischen Macht – mitten hinein in den Wahlkampf eines ehemaligen US-amerikanischen Präsidenten, der erstmals gegen eine KI antritt. Schnell muss Tully feststellen, dass in dieser Welt voller Grautöne die Wahrheit nicht immer das ist, was sie zu sein scheint …

Review:

Thomas R. Weavers Roman 2050 – Überleben hat einen Preis ist eines jener Debüts, die einen zugleich erschüttern und verblüffen. Schon nach wenigen Seiten wird klar, dass man es hier nicht mit einem weiteren dystopischen Spektakel zu tun hat, sondern mit einem Werk, das auf beunruhigende Weise gegenwärtig ist. Weaver schreibt von der Zukunft, als hätte er sie bereits erlebt, und seine Vision ist so präzise, so plausibel, dass sie einem den Atem raubt.

Wir befinden uns in einer Welt, die den moralischen Kompass verloren hat. Die Erde ist erschöpft, die Menschheit ebenso. Im Jahr 2050 hat der Klimawandel nicht nur Landschaften, sondern ganze Gesellschaftsordnungen verwüstet. In dieser zerfallenden Welt konkurrieren zwei Kräfte um die Macht: ein amerikanischer Präsident, der sich zum globalen Herrscher aufschwingen will, und eine künstliche Intelligenz, die sich selbst als vernunftbegabte Alternative zur menschlichen Gier versteht. Dazwischen steht Marcus Tully, ein Journalist, der mehr verloren hat, als ein Mensch ertragen sollte, und der dennoch versucht, der Wahrheit näherzukommen, obwohl sie ihn vernichten könnte.

Weaver verknüpft hier Politthriller, Kriminalroman und Zukunftsvision zu einem literarischen Amalgam, das man nicht mehr aus der Hand legen möchte. Sein Stil ist klar, präzise, manchmal fast dokumentarisch, und gerade darin liegt seine Stärke. Nichts an dieser Welt wirkt übertrieben oder fantastisch, alles scheint nur einen Atemzug von der Realität entfernt. Die Technologien, die er beschreibt, sind faszinierend, aber nie bloßes Spielzeug für Technikbegeisterte. Sie sind Ausdruck einer Zivilisation, die glaubt, ihre Probleme ließen sich durch immer ausgefeiltere Systeme lösen, und merkt zu spät, dass sie dabei das Menschliche ausradiert.

Die moralische Komplexität des Romans ist bemerkenswert. Weavers Figuren sind keine Helden, sondern Menschen, die stolpern, zweifeln, sich verlieren. Tullys Schmerz über den Tod seiner Frau durch eine Klimakatastrophe ist kein bloßes erzählerisches Detail, sondern der emotionale Motor der Handlung. Er kämpft nicht nur gegen die Mächtigen, sondern auch gegen seine eigene Verzweiflung. Dieses Ringen macht ihn zu einer jener seltenen Romanfiguren, die man nicht einfach bewundert, sondern versteht.

Was den Roman über die gängigen Genrekonventionen erhebt, ist Weavers unbestechlicher Blick auf die Gegenwart. Hinter all den futuristischen Kulissen liegt eine radikale Diagnose unserer Zeit: eine Welt, in der Wahrheit zur Währung geworden ist, Vertrauen zur Fiktion und Verantwortung zum Spielball der Mächtigen. Weaver schreibt über Informationskriege, über die manipulative Kraft von Angst und über die trügerische Bequemlichkeit des Schweigens. Seine Zukunft ist keine ferne Fiktion, sondern das Resultat eines allzu vertrauten Stillstands.

Dabei gelingt ihm ein Kunststück, das viele Autoren des Genres verfehlen: Er verliert nie den Menschen aus dem Blick. Zwischen all den politischen Intrigen, zwischen Propaganda, Überwachung und moralischem Verfall bleibt Raum für Empathie, für Schuld, für den unerschütterlichen Versuch, an Aufrichtigkeit festzuhalten. Das macht diesen Roman nicht nur spannend, sondern tief bewegend.

Selten hat ein Erstlingswerk mit solcher Überzeugungskraft geschrieben, was es heißt, in einer Welt zu leben, die sich selbst überlistet hat. Weaver schafft es, große Ideen mit erzählerischer Präzision zu verbinden. Am Ende bleibt das beklemmende Gefühl, dass seine Vision keine Warnung mehr ist, sondern längst begonnen hat.

Ein großer, kluger, verstörend aktueller Roman, der zeigt, dass Science-Fiction nicht von der Zukunft erzählt, sondern von unserer Gegenwart in ihrem letzten Stadium. Weaver ist ein Name, den man sich merken sollte.

Dark Fairy Tales von Viktor Wynd

Dark Fairy Tales von Viktor Wynd

Seiten: 240

Verlag: Prestel

Sprache: Englisch

ISBN-10: 3791393502

Kaufen: Amazon.de

Kein Buch für Kinder, aber eines für Neugierige

Bewertung: 7/10 ⭐

Inhalt:

Viktor Wynd has always gravitated towards the weirder corners of folklore. On his extensive travels, he has amassed a trove of stories that refuse to play nice - filled with risque twists, grotesque details, and endings that are surprisingly happy, though not always in the way one might expect. Having entertained audiences around the world with these tales, he has now written down some of his favorites in a book as beautifully produced as it is macarbre. The stories were collected in Wales, Ireland, Arabia, Germany, Norway, Papua New Guinea, and Borneo, and include the adventures of a one-eyed troll; the feckless Paddy O'Dwyer; a changeling child; a girl who thinks she can outwit a witch; the doomed Sinbad the Traveler; shapeshifters; and a baby-eating pig. Each chapter begins with Wynd's personal account of how he came to learn these stories. Arresting and intricate illustrations by Transylvanian artist Luciana Nedelea perfectly balance the charming and grotesque.

Review:

Viktor Wynds Dark Fairy Tales ist eine Sammlung, die sich weigert, in eine Schublade zu passen. Schon der Titel verspricht Dunkelheit, doch wer hier gotische Schauergeschichten erwartet, wird schnell eines Besseren belehrt. Wynd interessiert sich weniger für das Grauen des Todes als für die Dunkelheit des Begehrens. Seine Märchen aus Irland, Norwegen, Papua-Neuguinea oder Arabien sind sinnlich, roh und oft erstaunlich derb – Geschichten, in denen Körperlichkeit und Trieb ebenso selbstverständlich vorkommen wie Magie und Verwandlung.

Wynd schreibt, wie man erzählt. Seine Sprache ist rhythmisch, voller Einschübe und Abschweifungen, fast so, als säße man ihm beim Glas Wein gegenüber, während er sich von einer Anekdote in die nächste verliert. Diese mündliche Unmittelbarkeit hat Charme, kann aber auch ermüden. Zwischen den eigentlichen Erzählungen kommentiert Wynd unaufhörlich: Er berichtet von Reisen, Begegnungen und persönlichen Eindrücken, manchmal amüsant, manchmal irritierend selbstverliebt. Es ist ein Ton, der zugleich Nähe schafft und Distanz erzeugt.

Die Märchen selbst sind eine Entdeckung. Viele davon sind im Westen kaum bekannt, und Wynd gelingt es, ihre archaische Energie zu bewahren. Dabei zeigt er, dass Volksmärchen nie harmlos waren: Sie sind voller Lust, Gewalt und Absurdität. Dass der Autor dabei keinerlei Scheu vor expliziten Szenen hat, mag manchen Leser befremden, gehört aber zur Ehrlichkeit seiner Herangehensweise. Diese Geschichten sind nicht für Kinder, und Wynd macht kein Geheimnis daraus, dass das „Dunkle“ hier oft aus Fleisch und Blut besteht.

Die Ausgabe selbst ist prachtvoll gestaltet, mit Illustrationen der Künstlerin Luciana Nedelea, die das Groteske und Schöne der Texte kongenial einfängt. Am Ende bietet Wynd sogar praktische Hinweise, wie man Märchen selbst erzählen kann – ein sympathischer Versuch, die alte Kunst der mündlichen Überlieferung zu beleben.

Dark Fairy Tales ist ein widersprüchliches Buch: zu lang, zu selbstbezogen, manchmal unappetitlich, aber zugleich lebendig, witzig und voller erzählerischer Neugier. Es erinnert daran, dass das Märchen einst ein Ort des Begehrens, der Furcht und der Freiheit war – bevor man es in Kinderzimmer verbannte. Wynds Sammlung ist kein makelloses Werk, aber ein verführerisch schiefes, das seine Leser nicht belehrt, sondern verführt. Und vielleicht ist das, in einer Zeit glatter Erzählungen, sein größter Vorzug.